An der Oberfläche kratzen: Ein visueller Prozess

      Analog.Cafe › Essays › 4 Minuten Lesezeit von bastien_pons_photo. Veröffentlicht am 11. August 2025.

      Anmerkung des Herausgebers: Bastiens Bilder und der schriftliche Teil unterscheiden sich stilistisch und technisch von den meisten Artikeln, die ich bisher auf diesem Blog veröffentlicht habe. Dennoch dachte ich, dass seine Introspektion und seine Bilder, die an Essays erinnern, die mit Holgas und Agfa Clacks illustriert sind, einen überzeugenden Einblick in den Geist eines Musikers geben, der visuelle Kunst als Texturen behandelt (eher als den Inhalt). — Dmitri.

      Ich fotografiere die meisten meiner Bilder digital (Canon EOS 5D), behandle sie aber, als wären sie tastbare Materialien. Mein musikalischer Hintergrund in der elektroakustischen Komposition hat mich gelehrt, in Schichten zu denken, Rauschen, Unvollkommenheit und Fragmentierung zu umarmen. Diesen Ansatz wende ich genauso auf meine Fotografie an — ich arbeite mit Bildern, wie ich mit Klang arbeiten würde, forme sie, bis sie eine physische Präsenz tragen.

      Ich fühle mich zu Räumen und Details hingezogen, die dem Offensichtlichen widerstehen — Orte, an denen Dinge gealtert, erodiert oder einfach aus dem Blickfeld gefallen sind. Parallel zu meiner fotografischen Arbeit sammle ich unterwegs mit meiner Canon EOS 5D gern visuelle Fragmente in Form von Texturen. Diese „Textur-Bibliothek“ wird oft an denselben Orten angelegt, an denen die Originalbilder aufgenommen wurden.

      Es kann eine rissige Wand sein, die das Nachmittagslicht einfängt, die abblätternde Oberfläche einer verrosteten Tür, zerrissene Straßenplakate, die an den Rändern aufrollen, oder die Maserung einer von der Zeit gezeichneten Holzplanke. Diese Details sind mir genauso wichtig wie die Fotografien selbst. Sie tragen ihre eigene Präsenz und erlauben es mir, das Foto über eine geradlinige Wiedergabe hinaus zu treiben, wenn ich sie mit einem Bild kombiniere.

      Im Studio öffne ich dann sowohl das Foto als auch ausgewählte Texturen in Photoshop. Ich beginne damit, diese Texturen als Ebenenelemente zu experimentieren, passe ihre Transparenz an, bis sie sich nahtlos — oder manchmal absichtlich unvollkommen — mit dem zugrundeliegenden Bild vermischen. In diesem Stadium versuche ich nicht, die Textur zu verbergen, sondern sie zu integrieren, sodass sie ein Teil der Bildoberfläche wird.

      Dann bearbeite ich. Ich entferne, was sich unnötig anfühlt, arbeite intuitiv, um das Bild ins Gleichgewicht zu bringen. Dies ist ein subtraktiver Prozess mit dem Ziel, das richtige Spannungsverhältnis zwischen dem Originalfoto und seinen geschichteten Oberflächen offenzulegen.

      Tiefe wird selektiv aufgebaut. Ich kann bestimmte Bereiche weichzeichnen, um ein Gefühl von Distanz zu erzeugen oder den Blick des Betrachters durch den Rahmen zu lenken. Andere Bereiche lasse ich scharf und beinahe abrasiv, so dass sie das Auge unerwartet fangen. Der Rhythmus des Bildes entsteht durch diese Wechsel in Schärfe und Textur — eine Art visuelles Atmen.

      Das fertige Bild soll niemals „poliert“ oder „perfekt“ wirken. Stattdessen möchte ich, dass es sich taktil anfühlt — als könnte man die Oberfläche berühren — und eine gewisse Mehrdeutigkeit trägt, bei der das Motiv weniger wichtig ist als das Gefühl, das es hinterlässt. Am Ende ist mein Ziel, dass das Bild einen Raum zwischen dem Sichtbaren und dem Abstrakten einnimmt, in dem die Wahrnehmung langsamer wird und der Betrachter eingeladen ist, in den Texturen, den Brüchen und der verbleibenden Stille zu verweilen.

      Statt die Realität einzufangen, ist es mein Ziel, sie zu stören. Mich interessiert nicht das Motiv selbst, sondern die Rückstände, die es hinterlässt, sobald das Bild zu zerfallen beginnt.

      Mein Prozess ist intuitiv. Ich plane selten eine Aufnahme im Voraus. Ich gehe, ich beobachte, ich reagiere. Später, bei der Bearbeitung, arbeite ich eher wie ein Bildhauer — wegschabend, schichtend, Makel betonend. Staub, Kratzer, digitales Rauschen — das sind keine Fehler, die korrigiert werden müssen, sondern Elemente, mit denen komponiert wird. Sie tragen eine taktile Qualität, die ich schätze, wie Haut oder Stein.

      Es gibt auch eine starke Parallele zu meiner Arbeit in der elektroakustischen Musik: In beiden Fällen beginne ich mit Rohmaterial — Fragmenten, Zufällen, Verzerrungen — und baue darauf auf. Ich fühle mich zu dem Gerissenen oder Gebrochenen hingezogen, zu dem, was unter der Oberfläche verweilt. Im Klang wie im Bild versuche ich, Erfahrungen zu formen, die langsam, mehrdeutig und immersiv sind.